PREHISTORIA
Las manifestaciones
pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han
localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de
cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde
a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico –
religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir
buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras
manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos
sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color,
rojos y negros mayormente.
PINTURA: Las primeras manifestaciones
pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se
le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas
regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura
cazadora, se le atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume fueron
realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban
eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la
cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la
esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo
ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana.
Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño,
relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico
de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue,
Savignano y Grimaldi
ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech
ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech
. ARTE EGIPCIO
La pintura egipcia posee una sensibilidad
artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje
estético, creando un ambientecargado de religiosidad; en ella se observa la pureza
de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen
atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de
la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos:Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil;
hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es
detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido,
logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real.
Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos,
tumbas y palacios
. ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
. ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
PINTURA:
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
ESCULTURA:
A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en
cada una, por causas políticas y
religiosas cambió de dirección,
desde la inspiración naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se
destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de
Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.
ARTE GRIEGO
Floreció
entre los siglos VIIy II antes de C., en Grecia y
otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza
por su idealismoestético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés
por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello,
desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo,
tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos.
La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas
artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica,
la escultura y la arquitectura.El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corinti
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.
ESCULTURA: La
escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor
tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección
humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión
de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por tres
períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en cada una de
ellas. Estas son:
.ARCAICA: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan
un estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y
masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero
luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el
rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a
los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de
Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.
.CLÁSICA: esta
época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones
artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas,
así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia
de la figura humana. Esta época tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que
se destacan escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde
se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos tenían características
propias.
.HELENÍSTICA:
esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta
época toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran
capacidad de realización, entra la figura del niño como tema. La escultura
adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo
episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen
diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo
que se conoce de los pintores .griegos, sin embargo, si es de conocimiento la
maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que
sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha
perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una
idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas,
Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles
CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor más variada
expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una
muy completa evolución de su
cultura . Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas y
técnicas variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos
en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño,
presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras,
predominan formas animales y humanas
Resulta de las
influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del
Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C.,
algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más
variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así,
su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus
mayores logros los presenta en eldesarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la
realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos
bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos
corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la
forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico -Alejandrino, que pone de
manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las
marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya),
se observan cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico,
ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros.
Los romanos mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras
artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un
vasto imperio, el romano tuvo por preocupación fundamental mantener eldominio sobre los territorios colonizados, para lo cual movilizó
poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó los lazos entre la metrópoli y las provincias, y
desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de
formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes
realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es
haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del mundo
conocido
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está
concebida en función de las necesidades privadas y públicas. Expresa la
voluntad de poder y
de mando del Estado romano,
que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es
monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y
para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la
majestad y la robustez, por lo que se muestra en
grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de uniformidad del Imperio,
que aspira a que todos los pueblos sujetos a su dominio asuman una fisonomía
material a imageny
semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas conocidos:
el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado
de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica,
las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
LA
ESCULTURA: Se mueve entre los
polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato.
En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces,
luego la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en
Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego
y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas
tendencias se advierte en obras del período republicano.
PRINCIPALES
CARACTERÍSTICAS: Creada
con un destino utilitario que se cumple en su función narrativa, honoraria o
descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a exigencias
religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato
llevándolo a su máxima identificación con el modelo.
Es un arte naturalista. Es una obra anónima.
PINTURA: La
conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen
ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos,
pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos
y marineros. También en ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica,
que imita a los elementos constructivos. Lo interesante de la pintura romana es
la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin
detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz.
También en la pintura domina el gusto realista por lo que los temas preferidos,
son el retrato, la caricatura y
el paisaje.
ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.
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ESCULTURA: Está subordinada a la
arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con
relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para
su instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las figuras no guardan
las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la
relación de tamaños que se debe a la diferente profundidad a que están las
figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia del
personaje. Composición simétrica: las escenas se componen, guardando una
relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre como eje la
figura de Cristo.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
ÉPOCA MEDIEVAL
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya
producido obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos
dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron
distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya pintura
se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la
realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y
los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego,
nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura,
adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos
centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se
observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado
que siempre están colocadas de frente. El Románico, denominado así por la
semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas
derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e
iglesias.
Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras
estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica
empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser
figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura
sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios. Por
último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados
fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La
pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus
composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los
dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura
casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales
llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.
ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte poderosamente
original, que fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de
bárbaro, por suponerse que sus creadores habían sido los pueblos germánicos que
ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba con el nombre de
Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en
ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos
curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la
región llamada Isla de Francia. Aquí se construye
en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da
comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan
los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de
Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos
esenciales.
FASES DEL GÓTICO
LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)
Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en
punta de lanza.
RADIANTE (siglos XVIII y XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios
paños y formas.
FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV)
Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran
altura de naves y torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial
y de la bóveda en forma de estrella.
ARQUITECTURA: El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura, se construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los arcos y la abundancia de elementos puntiagudos.
ESCULTURA: Las características de la escultura se pueden observar en los santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles. Para dar idea de la decoración escultórica, bastará saber que la decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
PINTURA: En aquellos países donde el
estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo
importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la
pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos,
formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de
detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan
por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco
exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el
colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan
Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una
provincia romana, asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el
Grande, al rango de capital imperial con el
nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su
reino entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de
Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en Bizancio.
La caída del Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la herencia espiritual de Roma
y acrecienta su importancia como poder político y artístico, que le llegará a
su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación geográfica de Bizancio,
en las puertas de Asia; su alejamiento de
las fuentes latinas y el
contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente,
influyen sobre ella en forma que si, por una parte, mantiene su título de hija
y continuadora de la cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de
una monarquía exótica,
teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y
estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se
refleja en su arte.
ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio
estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y
cultural. Por eso en susconstrucciones encontraremos elementos tomados de los
romanos, de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su
propia invención. Entre los más importantes tenemos:la cúpula, las trompas y
pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción
más importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia.
PINTURA: Presenta dos modalidades muy
interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la
de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas
Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran
grandes composiciones de tema religioso, con un carácter simbólico que agradaba
mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios formados
por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que entraban
la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc
LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte
mural bizantino sin referirnos a una de sus más hermosas creaciones: el
mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente
religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de
mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base
debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las
figuras que se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de
estas teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo
que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc.
ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la escultura perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran maestría.
RENACIMIENTO
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas
e intelectuales en Italia, bajo el
signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados,
desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del
concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo,
ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la
belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura.
La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no
se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó
hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas
naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que
algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de
ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro
Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el siglo XV adquiere preponderancia el
retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón,
y por tanto surge multitud de personas cuyosrasgos quedan labrados en madera.
Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y
santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones
del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y pecadores. Al
principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se situaban
en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más
libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas
por medio del desnudo femenino. Entre los representantes más significativos del
Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli,
Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y
Rafael Sanzio; de ellos, algunos comoLeonardo de Vinci, por ejemplo, destacó
más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios
anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando
las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una
sutil y fina aureola de luz difusa.
Sandro Botticelli
|
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico
que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y
que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en
las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El
nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o
volver a nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado
por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un
renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista
ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano.
Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la
iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza.
La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad
Media. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma,
estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen
mayor auge, debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que
emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser
rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las
antiguas formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande
por toda Europa (Francia, Inglaterra,Alemania y la Península
Ibérica, especialmente).
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
· Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores griegos y romanos.
·
La presencia en tierra Italiana de ruinas
romanas que tenían que despertar en los curiosos el deseo de conocer la civilización
que había levantado tales monumentos.
·
La invención de la imprenta, que contribuyó a
la difusión de los escritos de los poetas, filósofos y sabios de la
antigüedad y de los modernos.
·
Los descubrimientos geográficos, el
avance de las ciencias naturales y el
progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana y estimulan
a la acción.
CARACTERÍSTICASGENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados
por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la
armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos
exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo.
QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y
su centro cultural es la ciudad.
CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.
ARQUITECTURA
La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos
(jónico, corintio y dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción,
pero no tal y como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad
del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal"
propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia
a la arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan
un aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista
y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una
cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían
grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y
parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la
planta de la basílica cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor
importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y
presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los
elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con
apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la
"cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de
varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido
en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas,
se observa que se
emplearon varios elementos, estos son:
emplearon varios elementos, estos son:
La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto,
en sus inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto
arquitectónico, posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por
completo el conjunto lineal arquitectónico.
La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los
cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo,
combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra de los muros.
El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados
con dos colores.
Los Frescos y Mosaicos: llenan las
cúpulas y paredes interiores de la construcción, se empleó una diversidad de
tonos, los cuales los hacía muy llamativos.
Los Frontones: son de inventiva
romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas, generalmente son
rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos.
Las Pilastras: son columnas
que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes en la
arquitectura romana.
ARQUITECTOS RENACENTISTAS
ITALIA: Filippo Brunelleschi,
Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
Filippo Brunelleschi |
FRANCIA: Salomón de Brosse.
ESCULTURA
El
origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con
el escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del
Baptisterio de la catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la
ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico,
pero su obra queda aislada.
Es
en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la
escultura renacentista. En esta época se advierte:
a. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o
natural.
c. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
La
escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el
estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se
desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV
y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
SIGLO
XIII. EPOCA ARCAICA
Es en los siglos XIV
y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista.
En esta época se advierte:
a Vehemencia por la naturaleza y el
desnudo idealizado o natural.
E xpresión de los sentidos y pasiones humanas.
E xpresión de los sentidos y pasiones humanas.
c. Reinterpretación modernizada de los
cánones clásicos.
T Temáticas diversas: mitología, religión, historia,
leyendas, etc.
La La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
La La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
SIGLO XIII. EPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y Andrea Pisano.
Entre las
características de estas primeras obras tenemos:
· Expresión de sentimientos humanos.
· Inspiración en la antigüedad
clásica.
· Realización de "Madonas".
· Ropaje y accesorios profusamente
trabajados.
SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte.
La actividad artística se encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre
todo en el siglo XV. Sus principales representantes son Donatello di Betto Bardi
y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la importancia en este siglo de las
obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos escultores,
realizaron e introdujeron una nueva modalidad escultórica-pictórica, los
relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado.
Las características de esta época son, entre otras:
· Adornan monumentos (tribunas, coros,
sepulcros, etc.)
· Diversificación temática.
Efectismo pictórico.
Gran destreza en la ejecución de
obras hasta llegar al perfeccionismo.Efectismo pictórico.
SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante
vitalidad.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo,
cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación
del paisaje tienen mucha importancia.
Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así,
tenemos los del Quattrocento (1400) y los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación
muy utilizada para caracterizar las obras pictóricas del renacimiento, la cual
es:
· Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta
el año 1500 y cuyos representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole,
Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con
pinturas verdaderamente grandiosas.
· Alto Renacimiento: que comprende el período que va
desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual se destacaron famosos
pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto,
Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
· Es narrativa: expone historias y
sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la
historia.
· Es realista: las figuras humanas o
de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado
porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
· El cuadro se presenta como un
escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la
perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El
punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
· La composición está sometida a
esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma
simétrica en la distribución de las figuras.
· En cuanto a los esquemas de
composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el
rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos,
los triángulos son dos
combinados.
· En general, es una pintura dibujística,
que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el
color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se
cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
· Se da interés preferente al cuerpo
humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
· A partir del siglo XV, se usará en
vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que
facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO
“La Primavera” de Botticelli |
Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de
primera. Los apuntes, bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti,
da Vinci o Sanzio, quienes se destacaron por su majestuosa obra pictórica,
revelan gran maestría en el manejo del lápiz. El que más se destaca como
dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios
anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes, destacando las
expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no
fue considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la
pintura, para tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de
composición, perspectiva, movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que
iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina,
el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para
los artistas del renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre los
alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica autónoma, paralela a
la de la pintura, en sus dos formas principales: el grabado en metal
(calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión contribuyó
el reciente invento de la imprenta en 1450.
BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétrico.Representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.
En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel ÁngelMerisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por todaAmérica y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII
ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran valor artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las galerías, que son salones largos, abovedados y con ventanales, y la escalera "a la imperial".
Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.
En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel ÁngelMerisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft
MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como sacudidos por el viento.
PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo.
CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos se perciben como envueltos en una atmósfera luminosa.
TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen de ella una representación dramática.
EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.
ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc.
ESCULTURA: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil desprenderse de él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a cada pormenor de los cuerpos.
PINTURA: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio, sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.
NEOCLASICISMO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas.
Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas dadas por la razón.
En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática
En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática
Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.
ESCULTURA: Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.
PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron
ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra.
SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del conten
PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar Friedrich.
ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales medievales.
REALISMO
El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
· Temas sacados de la vida real, sobre todo de la ida humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica social.
· Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
· Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
· Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los contrastes del claroscuro.
· Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la naturaleza.
· Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la naturaleza.
IMPRESIONISMO
Pintor Claude Monet, nacido en París, Francia 1840-1926 |
Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro.
El manejo de la luz es la característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautree.
Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX.
El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron por las cualidades académicas formales de la composición. Henri Matisse, primera figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como color brillante que produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la composición da una sensación de profundo reposo
Obra de Henri Matisse |
CUBISMO
Obra del Venezolano Armando Barrios |
Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos.
El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna. El símbolo más venerado por los futuristas era el automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era retrato del movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero así como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose alrededor de él, en el futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto que se mueve.
SURREALISMO
Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas.
El Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino explorar posibilidades.
ABSTRACCIÓN
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.
El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su intuición para expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser obras totalmente estáticas
Muy bello tu blog, y tus pinturas están muy bonitas, te felicito Zuleimar.
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